El Gótico

Las pinturas del gótico se acercaban a la vida real por su acumulación de detalles y anécdotas, pero no eran convincentes desde el punto de vista espacial porque les faltaba volumen y, desde luego, no reflejaban la realidad óptica. No lo perseguían, es cierto, pero sí lo buscaban, en cambio, otros artistas contemporáneos suyos, y en esta lucha por conseguir formas verosímiles es donde destacan los pintores flamencos del siglo XV.

El deseo de la nueva clientela burguesa de ver representado el mundo en que ellos vivían en las obras que encargaban, obligó a los artistas a responder a esta demanda, creando un lenguaje artístico capaz de representar la realidad con tanta fidelidad como si sus cuadros fueran auténticos espejos. Pero este lenguaje fue distinto al de los artistas italianos del Renacimiento italiano de la misma época, ya que éstos intentaron representar la realidad de una manera científica, gracias a un sistema de perspectiva de base geométrica, y no de una manera empírica.

Cuando observamos las obras de Jan Van Eyck, descubrimos que sus figuras tienen volumen, gracias al juego de luces y sombras utilizado por él; y que, con una paciencia infinita, ha pintado cada detalle de la naturaleza con una minuciosidad mayor que la que tenían las miniaturas de la época. Tanta meticulosidad fue posible porque Van Eyck había perfeccionado la técnica del óleo (que utiliza el aceite como aglutinante de los pigmentos) hasta conseguir un tipo de pintura capaz de sustituir a la pintura del temple (con aglutinante a base de huevo), que era lo que hasta ese momento se utilizaba de manera casi exclusiva. El óleo, tal y como él lo usó, presentaba tres ventajas: no secaba tan rápido y permitía trabajar con más lentitud, el color se podía aplicar sobre otras capas de color y permitía lograr efectos sorprendentes dejando transparentar las capas de color que había debajo (veladuras). Los efectos que permitía asombraron a sus contemporáneos, que adoptaron esta técnica con rapidez.
El óleo influye en la mayor vivacidad y enriquecimiento de la gama cromática, pues los colores adquieren mayor brillantez; mediante la superposición de dos o más colores (veladura) se obtiene por transparencia una mayor variabilidad de los tonos y la consecución de colores compuestos. Esta técnica permite tratar los temas con extraordinaria minuciosidad, atendiendo al detalle hasta extremos inverosímiles.
En las obras flamencas se evidencia el interés por todo, pues con la misma precisión y cuidado se pinta un rasgo humano que el correspondiente a un animal, planta u objeto. El paisaje adquiere una gran importancia en esta época.
De esta manera, el pintor flamenco refleja fielmente el ambiente que le rodea, pero dota a este realismo de un cierto carácter simbólico, a lo que contribuye la significación alegórica de los colores utilizados y de los diversos objetos secundarios representados.
Los fondos dorados y neutros del gótico desaparecen, sustituidos por paisajes naturalistas, con cada elemento reflejado con fidelidad y detalladamente.
La luz ya no es caprichosa. Cada objeto tiene ahora su propia y definida sombra; cada habitación su encuadre lumínico; cada paisaje, su tonalidad segura; cada elemento, su calidad exacta.
Son obras de pequeño formato, utilizando la tabla como soporte, ya que eran concebidas para ser colocadas en el interior de las residencias burguesas y aristocráticas. Estos interiores domésticos facilitan que la obra refleje una piedad intimista y burguesa. Con frecuencia estas tablas constan de 3 hojas o tablas (Tríptico), las dos laterales con bisagras que se cierran sobre la central. La cara exterior se pinta con tonos grises (grisallas) que imitan los efectos escultóricos.


En síntesis, se trata de un estilo detallista y minucioso; naturalista y apegado a la realidad, aunque sin renunciar a la expresión simbólica y religiosa. El paisaje se convierte en un elemento clave de la composición, así como los objetos de la vida cotidiana. No obstante, a pesar de que el manejo de la luz y del color anticipan los valores de la pintura renacentista, el estatismo de sus formas, la escasa relación entre las figuras, casi siempre frontales, el detallismo y el predominio de las partes sobre el conjunto, lo sitúan en la última etapa de la pintura gótica.

El Fauvismo

EL FAUVISMO

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.


Protagonistas del fauvismo

Henri Matisse (1869-1954)
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.

La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.

André Derain (1880-1954)

La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.

Maurice de Vlaminck (1876-1958)

Es el autor de paisajes dramáticos que se inspiran directamente el colorido y la pincelada de Van Gogh. Sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906).
La aparición del Fauvismo en Francia en 1905 fue paralela al expresionismo alemán, particularmente a los pintores del grupo Die Brücke. Ambos movimientos marcaron la aparición de lo emocional frente al estudio calculado y teórico de la realidad.

Expresionismo abstracto

El expresionismo abstracto surge en el año 1940 en Estado Unidos, se caracteriza por ser un movimiento de pintura contemporánea abstracta, esta no acepta la copia fiel de las formas, se remite simplemente a la imaginación del artista.

Características del expresionismo abstracto

Este movimiento se caracteriza principalmente porque no aceptan las formas, lo opuesto al arte abstracto es lo figurativo, a su vez estas pinturas eran plasmadas en lienzos grandes y eran pintados al óleo. Los colores utilizados eran el negro o el blanco combinados con los colores primarios como el amarillo, el azul y el rojo.

Estas pinturas tenían una profundidad en cuanto a que no tenían un límite dentro del cuadro del lienzo, la pintura era un todo dentro del mismo, se dicen que los cuadros de esta época reflejaban el período que estaba viviendo la sociedad.

Los colores opacos y los trazos fuertes querían significar la angustia y la crisis que sentían las personas debido al momento que estaban atravesando, ya que este movimiento surge después del crack de 1929 y se extiende después de la Segunda Guerra Mundial

Minimalismo

Nace en EEUU a mediados de los 60.No cumple una función ideológica, no cumple una función utilitaria, no es expresionismo porque no busca la transmisión de ningún mensaje. Es la forma más pura de arte:

EL ARTE POR EL ARTE

MENOS ES MÁS.

Expresar lo más posible utilizando el menor número de elementos. Depurar la obra hasta su esencia misma. Es un arte simple, pulcro, blanco, recto, tranquilo.

Pintura

Aplicación del minimalismo al campo pictórico. Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los años 1970.

Historia del minimalismo

Como antecedente del minimalismo en la pintura se cita a Ad Reinhardt y sus "pinturas negras" realizadas al final de su vida. Estas obras reducionistas estaban en claro contraste con las pinturas "mínimas" pero llenas de energía de un Kooning o un Kline y tendían más hacia la pintura de los campos de color de Barnett Newman y Mark Rothko.

Características
Formas rectangulares y cúbicas, que no eran metáfora de nada
Igualdad de las partes del cuadro
Repetición
Superficies neutras
Lienzos de gran formato
Color

Principales pintores minimalistas

Frank Stella (12/07/1936)

Miembro de la Escuela de Nueva York
Pionero en la concepción de pintura como objeto Vs pintura como representación. Sus Black Paintings (60s) son lienzos de color negro con delgadas líneas de lienzo sin pintar. Os presento uno, fijaos con atención o no podréis verlo:







A partir de los 60 desarrolló el shaped canvas, esto es, el lienzo dado forma, traduciéndose la expresión, a veces, como «tela modelada»
Comenzó a producir pinturas de aluminio y cobre pintados, similares a sus pinturas negras, ya que eres líneas de color separadas por alfileres. Posteriormente se fueron transformando en diseños más elaborados








Ellsworth Kelly (31/05/1923)
Pintor de la escuela neoyorquina
Se distingue por sus cuadros hard edge, esto es, pintura de borde duro o de perfil limpio
Las obras más conocidas son sus paneles pintados, que consisten en la unión de varios lienzos, cada uno pintado de un color intenso y diferente, que crea un todo vibrante de cuidado equilibrio.






Joe Baer
Minimalista en su 1º etapa (1965-1975)












Robert Ryman (30/05/1930) 

Utiliza principalmente el color blanco sobre superficies cuadradas, de muy variados materiales.








Su objetivo era utilizar la luz natural, la habitación y con las superficies, para reproducir la que en realidad es. Huye de toda alusión para lograr una experiencia “REAL”



Brice Marden (15/10/1938)
Pintor minimalista de la escuela Neoyorquina



Durante la década de los 60 se caracteriza por sus lienzos monocroma, ya sea sólo o en series de paneles, especialmente dípticos o trípticos







Posteriormente comienza su segunda etapa utilizando finas líneas enmarañadas, utilizando tanto pintura sobre lienzo como metal moldeado.

Robert Mangold (12/10/1937)
Pintor de la escuela de Nueva York
Sus obras se caracterizan por su aspecto irregular, monocroma y sin rasgos de intervención del artista
Los elementos de sus cuadros normalmente hacen referencia a elementos arquitectónicos o provocan la sensación de ser obra de un arquitecto










Escultura

En escultura, el Minimal Art se concretó en formas geométricas simples que no representaban ninguna imagen. Los escultores minimalistas encargaban sus obras a industriales y trataban de no participar en el proceso para que en la pieza no hubiera «ningún rastro de humanidad».
La obra de los minimalistas podía captarse en su totalidad de una sola vez y de forma inmediata. Su propia presencia era todo lo que había que ver en los objetos. Cualquiera podría entenderlos a primera vista.






Características
Obras tridimensionales
Con partes idénticas y repetidas
Superficies monócromas y neutras
Materiales industriales (aluminio, PVC)
El espacio real es tan importante como el espacio representado (la obra en sí). Las obras y el entorno interactúan generando así un todo artístico y real donde el espectador se envuelve y forma parte de él, cambiando así el concepto de obra contemplativa y rompiendo al mismo tiempo con el sentido de interpretación tradicional.

Principales escultores minimalistas

Donal Judd (3/06/1928 – 12/02/1994)
Su obra se caracteriza por el empleo de figuras sólidas simétricas, normalmente cubos o figuras cuadrangulares.
La repetición de elementos idénticos tiene como resultado la ausencia de jerarquía visual
Utilizaba las paredes o el suelo y jugaba con el espacio creado por los diferentes elementos de sus obras. Uso de nuevos materiales, como metales industriales o plexiglás












Carl Andre (16/09/1935)
Su estilo se caracteriza por la utilización de ladrillos cuadrados ordenados a modo de cuadrícula
Utilizaba principalmente el suelo como soporte (algunas obras incluso pueden pisarse)
También escribió poemas que consistían en diseños formados con palabras, que no respondían a un orden gramatical sino a un orden visual.










Sol le Witt (09/09/1928- 08/04/2007)
Se caracteriza por mezclar sus pasiones artísticas creando estructuras escultóricas hechas con la fotografías o que incluían la pintura
Normalmente utiliza estructuras abiertas y modulares el cubo







Dan Flavin(01/04/1933)
Se caracteriza por la creación de estructuras mediante tubos de neón
El uso de la luz crea diferentes ambientes y propicia los cambios en la percepción visual

El cubismo

Esta entrada irá destinada al cubismo,en ella tratare de mostrar las principales cualidades y características de este movimiento y también las etapas que la componen.

HISTORIA

Movimiento artístico que se da entre 1907 y 1914; este trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista.


En la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas:
-La sección aurea que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente
-El orfismo: es el cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños, está muy cerca de la abstracción pura
-El purismo de la Bauhaus que reaccionó contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas.
Del cubismo también surge una nueva técnica pictórica: el colage, al pegar en los cuadro trozos de realidad que facilitan su lectura, también la inventa Picasso. Con el colage la palabra impresa entra a formar parte de la obra de arte.



CARACTERÍSTICAS PROPIAS DEL CUBISMO:

-Fue uno de los primeros movimientos artísticos del siglo XX, transformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura occidental.

-Es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra .

-No es el color lo mas importante, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro.

-El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura.


ETAPAS DEL CUBISMO

Se distinguen básicamente 3 etapas:

-CUBISMO CEZANIANO: esta etapa se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas puras. Una de las obras mas importantes que marco la etapa cezaniana fue titulada “las señoritas de avignon”

- CUBISMO ANALÍTICO: se caracteriza por la descomposición de sus formas en múltiples partes, todas ellas geométricas. Es el mas puro y mas difícil de comprender. Entre las obras mas importantes en esta etapa del cubismo se encuentra el “Retrato de Kahnweiler”

-CUBISMO SINTÉTICO: se caracteriza por potenciar las partes mas significativas de la figura, reduciéndolas a sus formas geométricas mas puras. No es simplificador pero si es de una fácil lectura. Una de las obras representativas de esta etapa es “el jugador de cartas”

Pop Art

Hoy voy a hablaros del Pop Art y hacer una pequeña alusión a sus máximos representantes.

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, como anuncios publicitarios cómic y objetos mundanos, es decir, objetos corrientes entre las personas.

El Pop Art nació a mediados del año 1950 en Reino Unido y a finales de 1950 en Estados Unidos.

En Estados Unidos regresó el tipo de dibujo de contornos nítidos. Los artistas la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el expresionismo abstracto.

En Reino Unido también se utilizaba la ironía y la parodia, en Reino Unido era más académico, y se enfocaba en la cultura popular estadounidense.
Hay un montón de obras del Pop Art en historietas. Roman Gubern destaca con uno de los cómic más importantes que es Flash, Andy Warhol el sin duda considerado papa del Pop Art destaca con Good Morning, Darling, Roy Linchtensntein destaca con As Opened Fire.

Andy Warhol

Un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura cine de vanguardia y literatura notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas.

Roy Linchetstein

Nació en 1923 y fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.

Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad Estatal De Ohio en 1949.

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remignton.

David Hockney

Nació en 1937 es un artista inglés, que vive en Los Angeles California.

Es un importante contribuyente del Pop Art inglés de los años 1960. Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Neoimpresionismo

En esta entrada trataré de hablar del Neoimpresionimo y de introduciros en este estilo,muy a menudo mezclado y confundido con el modernismo.
¿CUÁNDO?


Se denomina Neoimpresionismo al movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX. La palabra Neoimpresionismo se empleó por vez primera en 1887 por el crítico de arte francés Félix Fénéon para designar la corriente artística de finales del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac, cuyas raíces hay que buscarlas en el Impresionismo. El neoimpresionismo tuvo una vida corta (1884 a 1891) ya que las obras requerían una paciente elaboración. En nuestra caracterización inicial del Neoimpresionismo nos centraremos en dos aspectos: en la situación de relativa crisis a que llegó el grupo de impresionistas en la década de 1880, y en el estudio de los recursos técnicos que utilizaron los neoimpresionistas.




¿QUÉ?

Se denomina Neoimpresionismo al movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas (que utilizan la pincelada dividida en trazos muy pequeños) y los Puntillistas (que emplean una pincelada en forma de puntos para descomponer totalmente la imagen). Bajo el nombre de Neoimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos.



¿CÓMO?
Las características principales del neoimpresionismo son:

Preocupación por el volumen.Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).
Preocupación por el orden y la claridad.
Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos se dividen o descomponen en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal.
Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos de colores puros para así lograr la mezcla óptica.
Predilección por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses (Signac).
Utilización de la ley de los complementarios, que afirma que dos colores complementarios se realzan mutuamente si se aplican yuxtapuestos sobre el lienzo en pinceladas independientes, como en mosaico (y se oscurecen hacia un gris oscuro si se mezclan en la paleta).
Las influencias del neoimpresionismo son las mismas que los impresionistas pero con mayor peso de las teorías ópticas de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores



¿QUIÉN?


Georges Seurat (1859-1891) Seurat tuvo una vida corta (murió a los 31 años), pero muy fecunda. No hizo muchas obras de gran tamaño, pero las que hizo han quedado como emblemas de la pintura del siglo XIX por su tremenda originalidad. Seurat nació en París una familia de clase media acomodada, aunque no rica. A los 18 años ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, y desde chico estaba muy interesado por el estudio y el aprender sobre arte. Por lo tanto, se manifiesta ya en su primer gran lienzo Baño en Asnières (1883-1884) su base teórica que impone una estructura lógica y científica al trabajo pictórico.

El cuadro tiene unas grandes dimensiones: 2 x 3m. y antes de su composición definitiva Seurat realizó quince cuadros preparatorios de menor formato y diez dibujos más. Finalmente, Seurat consigue una pintura muy ordenada, con una distribución muy estudiada de cuerpos con volumen y vacíos repartidos rítmicamente por el lienzo. Es llamativa la simplicidad de las formas, y el uso que hace el artista de las formas regulares.

Romanticismo

La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas de Antiguo Régimen, provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.

El Romanticismo es un movimiento artístico y literario que apareció al final del siglo XVIII y principios del XIX, que dio fuerza, emoción, libertad e imaginación a la clásica corrección de las formas del arte, fue una rebelión contra las convenciones sociales. El siglo XIX es políticamente bastante comprometido se producen movimientos independentistas, se desarrolla el nacionalismo, la industrialización, el nacimiento de la burguesía. En el campo del arte se renueva la arquitectura con la aparición del hierro que ofrece nuevas posibilidades y surge la arquitectura utilitaria. También aparece la fotografía que pone de moda la realidad

La pintura romántica: características generales. La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro:
• Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.
• La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.
• Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente emocional de primer orden
• La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.
• Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO, 1831. E. Delacroix. Óleo sobre lienzo.

Oscar Claude Monet

Uno de los máximos representantes y fundadores de la pintura impresionista, sus cuadros de paisajes increíbles captados con una sensibilidad única lo hicieron merecedor del título de uno de los mejores pintores en este arte, estamos hablando de Monet y de sus preciosos cuadros que inspiran la vista y el alma.
Nació el 14 de noviembre de 1840 en París (Francia) y murió el 5 de diciembre 1926 en Giverny (Francia) a la edad de 86 años.
Monet pinto alrededor de 500 pinturas de entre ellas destacan sus paisajes realistas, impresionistas y varias caricaturas.
Ningún pintor fue tan puramente impresionista como Monet, nunca se dejo agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables.
De todos los impresionistas, Monet fue el que con mas énfasis practicó el plenairismo, es decir la practica de la pintura al aire libre, hasta entonces no se había podido pintar al aire libre pues la pinturas se secaban con facilidad, pero gracias a la revolución industrial inventaron los pomos o tubos de pintura lo que facilito el poder pintar fuera de un taller.
Monet, bajo la luz directa del sol, pudo minuciosamente observar y plasmar casi inmediatamente los efectos de la luz sobre los objetos, por esta razón su pintura resulta especialmente vital y llena de armonías.
Monet sufrió de cataratas en los ojos, como consecuencia tuvo una gran depresión. Después de dos operaciones recuperó la vista y comenzó a pintar nuevamente sus grandes pinturas de nenúfares, pero se vio obstaculizado por la depresión.
Gran parte de su carrera, Monet vivió en la pobreza. Sus obras al igual que las de otros artistas no se adherían al estilo clásico preferido por el publico, fueron ignoradas en su momento, hasta que se mudo a Giverny donde sus obras ganaron en reconocimiento y los precios de sus cuadros subieron.
En la actualidad es reconocido mundialmente y sus obras valen millones de dólares.

A continuación os dejo con algunas de sus obras más importantes:



Camille con vestido verde


Camille en traje japonés


Caricatura del notario León Marchon


El desayuno



Jardín en Giverny


La iglesia Saint-Germain-l’Auxerois


La terraza de Sainte-Adresse


Impresión, sol naciente


El parlamento de Londres durante el ocaso


Jardín en Giverny


El gran crepúsculo


Camino del jardín de Giverny


El paseo por el acantilado


Ninfeas


Camille Monet y un niño en el jardín del artista en Argenteuil


Esquina del jardín en Montgeron


Ramo de Girasoles


Ninfeas


Ninfeas, armonía en verde
Puente Japonés


Ninfeas


Arco de flores en Giverny